You Sucjk at Photoshop

É possível que um tutorial em vídeo corra mal? Como será um podcast com o speaker a desabafar, ou a insultar? Os vídeos de "You Sucjk at Photoshop", criados por Donnie Hoyle respondem a estas e outras questões!

Mais vídeos no DRAWN!.

Cloning, patching e healing

Algumas das ferramentas mais importantes que o photoshop disponibiliza são as que permitem retocar eficazmente fotografias. São o clone stamp, o healing brush e o patch tool e estão disponíveis através do menu de ferramentas ou da tecla S para o Clone Stamp e o J para os restantes (o menu ainda disponibiliza a ferramenta de remoção de olhos vermelhos.

Estas ferramentas são importantíssimas no retoque de imagens durante a pós-produção. Basicamente, permitem copiar umas zonas da imagem para outras. A diferença entre elas reside na forma como é efectuado a copia. Isso naturalmente influência o resultado final. É, no entanto, importante reconhecer qual o efeito de cada um para escolher eficazmente qual a usar. Por exemplo, hoje estive a reeditar uma imagem porque na primeira volta escolhi a ferramenta desadequada à tarefa. Escolhi o Clone Stamp quando na realidade o Patch fazia o que realmente queria.

Clone Stamp Tool

O clone stamp tool é provavelmente o mais comum e popular dos 3 que mencionei. O clone stamp tool efectua uma copia exacta do que está noutro ponto da imagem (ou em outra imagem!). Quando se utiliza, o primeiro passo é escolher a zona de onde se pretende copiar (utilizando a combinação alt+click) e depois pintar a zona copiada onde pretendemos. O processo de pintura utiliza brushes (pinceis) com todas as opções que estas nos oferecem, desde dimensões, dureza, opacidade e forma.

O único defeito que esta ferramenta tem é a criação da copia fiel do ponto escolhido, e é apenas defeito quando estamos a tentar clonar uma área que sofre variações de cor e iluminação. Porque a cópia é fiel ao ponto que escolhemos, as diferenças de cor e iluminação entre a zona escolhida e a zona pintada serão notórias. Daí ser muito comum usar a ferramenta para copias completas de objectos e não tanto para retoque de pontos. Também nestes casos, será usado com a opacidade a 100% e um pincel duro. Noutras situações é possível efectuar retoque eficazmente reduzindo a opacidade a um mínimo, tipo 8 ou 9% e usando um pincel mais suave. Se estiver demasiado carregado, corre-se o risco de perder textura na zona a pintar, e mesmo ser notório o trabalho de clonagem.

E este foi o problema q tive. Se bem que a primeira tentativa de edição foi apenas um tratamento rápido, a quantidade de manchas visíveis e as variações de iluminação e a perda da textura, essencial da superfície retratada, exigiu seguir outro caminho e refazer o trabalho.

Para findar a info desta ferramenta, vale a pena mencionar um detalhe. Nas opções da ferramenta há uma opção que e´"Use All Layers". Usar esta opção permite clonar áreas como se a imagem estivesse toda numa só layer (se tiver mais que um layer, evidentemente). Sem esta opção, era necessário seleccionar a layer de onde queiramos copiar informação, clickar com o ALt a zona de referência, voltar a layer em q estamos a trabalhar e pintar. Com o "use all layers", é copiado a informação
"à vista" das várias layers. Naturalmente, isto permite q a edição ou a adição da clonagem seja feita numa layer nova, se desejarmos.

Healing Brush

Por vezes, mais eficaz que o clone stamp, é o healing brush, especialmente se quisermos remover coisas pontuais , no meio de áreas mais ou menos uniformes, como uma burbulha numa face. O healing brush funciona da mesma forma que o clone stamp, essencialmente, mas é mais "mágico". O healing brush efectua a copia da textura da zona escolhida para a zona que nos pintamos. de seguida, ele analisa a zona pintada e o exterior a essa zona e calcula os valores de iluminação e cor para produzir uma transição suave. No caso de uma face, vamos buscar textura de pele limpa, mas sem alterar as transições de iluminação associadas à zona da face onde pintamos.

A ferramenta é excelente para corrigir borbulhas e sinais, limpar pontos de ruído do sensor, etc. Más porque verifica a zona exterior ao do pincel, surge um problema - se estivermos demasiado próximos de uma transição abrupta, o cálculo de luz e cor pode falhar. Para evitar este problema, deve-se criar uma selecção sobre a zona a editar, excluído a transição.

Spot Healing Tool

O spot healing é idêntico ao healing brush, exceptuando o facto de que não é necessário escolher um ponto para amostragem. É usado, de forma automática, a informação em torno do ponto pintado para criar os dados da zona pintada, incluindo iluminação e cor. Mais simples e eficiente para os pontinhos a remover (como o pó das películas digitalizadas).

Patch Tool

O patch tool utiliza o mesmo algoritmo que o Healing Brush, mas em vez de usar um pincel, a ferramenta é baseada numa selecção. Essencialmente, seleccionas de forma mais ou menos rigorosa a zona a corrigir, e arrastas a selecção para outra zona da imagem, com a textura limpa que queres. A ferramenta irá processar a zona seleccionada inicialmente com a textura da zona limpa, e com a iluminação e cor calculada. é óptimo para áreas grandes que requerem substituição completa.

Este foi a ferramenta que usei na edição (mostrarei melhor num próximo post) para corrigir os problemas que o Clone Stamp gerou, naquela situação concreta. permitiu corrigir áreas maiores, mantendo intacto texturas e variações de luz e cor, exactamente aquilo que necessitava.

Se nunca testaste este conjunto de ferramentas, recomendo um teste. São óptimas para o retoque, mesmo que básico, das imagens fotográficas que produzimos. E será certamente um novo ponto a adicionar ao teu workflow.

Se, no entanto, usar estas ferramentas são o teu dia-à-dia, tens alguma técnica porreira que pretendes partilhar? Se sim, deixa um comentário!

100º episódio de Photoshop TV

Incrível, né? O grupo do Photoshop TV publicou hoje o seu 100º episódio!

Scans de processos cruzados

Acho que posso contar pelos dedos o numero de vezes que consegui uma imagem decente com o processo revelado com o processo cruzado. E sobretudo penso que se trata de problemas de processo.

O processamento cruzado tem por base a revelação de película em química "inadequada", nomeadamente a revelação de película de slides (positivos que requer químicos do processo E-6) em químicos usados para revelar negativos a cores (processo C-41). Na realidade o processo funciona, no entanto o resultado é um negativo. E dependendo da película, esta terá uma core base diferente da habitual laranja/castanho dos negativos a cores. No caso do Fuji Astia, o resultado é um negativo verde.

Deste modo, apesar de termos uma imagem presente, temos as cores trocadas e contrastes alterados. Tradicionalmente, a impressão seria feita normalmente no laboratório, como para um negativo, mas com um ajusto de filtragem mais trabalhada para tentar aproximar as cores. E os resultados tendem a ser fabulosos, com cores ricas e fortes.

Scanar é que mais "doloroso" em termos de processo. O facto prende-se que a generalidade do software procura a cor alaranjada da película para corrigir,e como não o encontra, os resultados são... esquisitos. E os softwares do scanner geralmente não tem uma opção de escolha para o ajusto automático das cores, porque não existe propriamente um ajusto correcto - a química destruiu essa opção, basicamente. Mesmo assim tem de haver uma forma de obter resultados minimamente satisfatórios para preparar a restante edição. Numa pesquisa, encontrei este thread no fórum do photo.net com uma sugestão de scanar como se fosse película preto e branco. Decidi experimentar e fazer comparações.





As três imagens em cima são as previsualizações para scans como película positivo, negativo e preto e branco, respectivamente. À esquerda são scans sem qq ajusto de cor ("reset" no software da Epson) e à direita é o scan com o ajusto automático. Como é visivel, como positivo temos a película no seu estado original - verde! Como negativo de cores, é feito um ajusto automático e que reforça em muito o contraste. O scan a preto e branco, ignora o cast alaranjado, e a correcção é mais ténue, mas mais "flat". O típico dos negs neste caso é a existência de uma componente arroxada em toda a imagem, ou pelo menos muito notável nos céus azuis fortes, especialmente nas transições.



Seguindo as indicações do post, efectuei os ajustes de pretos e highlights e gama (o que não é nada fácil na janela tão pequena do preview do Epson Scan). Efectivamente melhorou a imagem. Um contraste mais forte e uma ligeira saturação (10) finalizou o processo de ajusto para o scan (imagem de cima). A imagem scannada dava efectivamente uma boa base de arranque para a restante edição.

No entanto decidi experimentar, parralelamente, outra ideia. E se scannado o negativo como positivo ou como negativo ou como película preto e branco, fizesse os restantes ajustes no PS, sobre a imagem base? O Neg é uma opção horrível - é muito difícil de efectuar os ajustes (pelo menos sem correcção automática).

No caso da imagem positiva (verde) a imagem produzida ficou muito claro e arosado. Aplicando ajustos no histograma (ponto preto, e ponto branco), apareceram as cores "correctas" (ou pelo menso muito próximo do que poderia esperar). Duas curvas ajustaram o contraste para o seguinte resultado:



Um dos problemas do Epson scan, e que considero grave, é q o crop é sempre automático. É util, mas volta e meia há uma imagem da qual o software não consegue detectar correctamente, e é recortado demasiado da imagem. Nesse aspecto, o Silverfast é muito mais atractivo, e até permite manter as margens! Neste caso esse problema surgiu com a versão positiva...

A outra tentativa foi com a versão scannado como preto e branco (a 24bits de cor).O processo ignora a inversão das cores, visto que já está correctamente colorido, e restringe-se à correcção de tons - levels para corrigir o ponto negro e curvas para o contraste. A curva do Cross-process do PS3 n resulta, infelizmente. duas curvas com o preset "Strong Contrast" resulta bem. O resultado com uma e duas curvas, respectivamente:




Com 2 curvas aplicadas, é possível que o contraste esteja demasiado agressivo. tem piada ver que com um black and white aplicado (e filtro azul, e amarelo ajustado) a coisa tb fica engraçada!

Utilizando a ferramenta Black and White do Photoshop CS3

Na leitura dos RSS de manhã encontrei no Art-nudes um post com um tutorial interessante de conversão para preto e branco usando a nova ferramenta black and white do Photoshop CS3. É bem mais eficiente que o método da desaturação ou memso o Channel Mixer (não é necessario ajustar as percentagens de modo a equilibrar nos 100%). E existe como camada de ajuste (adjustment layer)!

- Permite ajustar os tons em 6 gamas de cor (vermelhos, amarelos, verdes, cyans, azuis e magentas);
- Tem filtros de cor prédefinidos (como no channel mixer);
- Permite realizar a coloração do preto e branco;
e talvez o mais interessante:
-Permite ajustar os tons de um canal clicando e arastando directamente sobre a imagen, evitando o processo de adivinha de canal de cor associado!!!

Mais videos em photoshopsupport.com

Vinhetagem em Photoshop

Andei a brincar com uma imagem que tirei há já uns bons meses, mas que só agora scanei (até parece que ando numa de Winogrand a revelar meses depois de tirar :P ). Trabalhando a imagem, passei-o para preto e branco (usando o Channel Mixer com um filtro amarelo, por dar o toque que mais me interessava).

Por fim achei que lhe devia dar uma vinhetagem ligeira, que creio que reforça a imagem. Encontrei um pequeno tutorial interessante com um método em http://digital-photography-school.com/. É um processo simples:

- Cria uma selecção para a área da vinhetagem. Como a minha imagem é quadrada, criei uma selecção quadrada distanciado da margem 100 pixeis (dos 2500 da imagem).
- Entra no modo quickmask (Q). A selecção fica transparente e a área não seleccionada (externa) fica vermelha.
- Aplicar um Gaussian Blur, e manipular o valor para ter o gradiente desejado na área vermelha da máscara. Eu usei um valor na ordem dos 70.
- Remove o quickmask (Q). Deve ficar uma selecção quadrada de cantos redondos.
- Inverte a selecção (shift + ctrl + I).
- Aplica uma nova camada de ajuste de cor sólida preta. Altera a opacidade para o valor desejado (coloquei-o na ordem dos 70).

Et voilá. Simples e funcional

Preto e Branco com o LabColor Mode

À procura de uma nova forma de converter imagens para preto & branco? Então vê o vídeo que o freelancer Nelson d'Aires colocou no blog pessoal. Demonstra uma técnica que ele utiliza na conversão para preto e branco, que utiliza a camada "lightness" do color mode Lab Color, e que é de seguida convertido para grayscale. A camada "lightness" por si só é uma escala de cinzas, portanto ao descartar os restantes canais, resta apenas uma imagem de 8 bits (no caso do Lab Color as restantes camadas são o "a" e "b"). Após a conversão, resta o ajuste dos contrastes e do restantes detalhes.

É sem dúvida uma conversão mais intuitiva que o uso do Channel Mixer, e ao efectuar a conversão é notório a diferença nos tons. Basta duplicar a imagem e experimentar o Channel Mixer directo, ou até mesmo o grayscale directo, e o a visualização da camada lightness do modo Lab Color na imagem duplicada.

O milagre do Liquify

A feramneta Liquify do Photoshop é das coisas mais fantásticas...

Encontrado no blog do Pedro Aniceto

bmx...

Ontem houve um pico de visitas no blog - pessoal vindo do fórum da FreerideZone, dedicado ás modalidades com bicicletas (downhill, freestyle, bmx, etc). Basicamente, alguém encontrou uma foto minha do Renato a saltar o gap da Câmara Municipal de Aveiro (flat para flat), colocou-a no fórum e comentou o quão fixe era o salto e o quão maluco foi o Renato para tentar tal coisa. A imagem está no blog practicamente ano e meio, mas volto a mostrar:



A primeira resposta, e passo a citar: "PhotoShop!!!!"... e a partir daí gerou-se uma certa discussão em volta de duas questões - o ser ou não ser verdade o salto (ou seja photoshop-ado ou não), e o quão "parvo" o biker era por saltar de flat para flat, e o risco que isso envolvia. (se seguirem o link da foto, poderão ver uma versão bem maior).

Na realidade é bastante engraçado ler os comentários e ver o quão pouco algum pessoal sabe sobre a actividade. Não estou a falar tanto da fotografia, que enfim, terá aspectos técnicos que a maioria nem sequer terão interesse em conhecer, mas sim acerca do BMX. E isso assusta-me.

É verdade que o gap é algo abusado. Estamos a falar de algo com 2m / 2m20 de altura. Não é sem duvida uma mera brincadeira. Tem riscos, quer físicos, que para o equipamento. Mas não é nada de novo, e nada que nunca tenha sido feito antes. Parece que algum pessoal nunca viu uma revista ou vídeo estrangeiro. Até eu, que não ando de bike, nem tenho qualquer ligação directa com a actividade, já vi coisas bem abusadas...

A isto não se chama loucura, mas sim ultrapassar limites. É o ir mais além. É uma demonstração de total confiança nas capacidades. Alias, basta pensar um pouco noutras modalidades. Alguma vez alguém chamou um ginasta de maluco, por ele andar a mandar grandes voos com a maior das precisões quer nos tapetes, no cavalo, ou nas barras? Muito pelo contrário, procuram cada vez ir mais além - perfeição técnica, mais uma revolução, mais um movimento mais complexo. Olhem para a patinagem por exemplo - há uns anos uma dupla pirueta era grande coisa.. e hoje? Já vai em triplos, não é? Neste caso o limite é estendido de outra forma. Um voo mais alto, menos comum.

Muitos estavam a queixar-se da dor da aterragem. Mas a aterragem pode ser perfeitamente suave. Está tudo na forma como é feito. Mais uma vez olhamos para ginastas - eles conseguem duplos mortais com aterragens perfeitíssimas - os pés tocam e não se mexem mais. Com as bikes e mesmo o skate e patins, a história é a mesma. E uma das chaves é a velocidade. Quanto maior a velocidade, maior a quantidade de energia que está distribuído na direcção da trajectória, e menor na direcção vertical. É uma questão de física (se tiver errado, espero que alguém deixa a correcção nos comments). Depois disso é só o contacto bem feito e tá resolvido... sem dores.

Esta questão da dor fez-me lembrar uma coisa... quem é que se mete neste tipo de actividade sem ter em conta que é preciso cair de vez em quando e que pode doer?... Além do mais não é tão perigoso ou tão arriscado como muitas vezes se faz querer. Eu já vi colegas meus saírem do andebol mais mal tratado que de andar de skate... incrível, né? hehehhe

No fundo é tudo uma questão de diversão. Sem diversão não tem piada nenhuma. E parte da diversão vem da evolução. Evoluindo, tornamos mais capazes de de mandar as manobras, e tornamos capazes de mandar manobras mais abusadas como esta. A minha esperança é que imagens como esta possam abrir os horizontes das possibilidades do pessoal que anda, e levar o pessoal a evoluir mais um pouco. Que sirva de motivação.

A adrenalina aumenta, o sorriso na cara também! :D

Color Management, Extra..

Em relação ao post sobre a gestão de cores, eocnontrei no site do Martin Evening o capitulo do livro, com complemento, sobre o tema. Para os interessados, podem descarregar o PDF. Alem do mais, na página (Photoshop Works -> Color Management) tem mais links sobre o tema.

Gestão de Cor

Hoje no FS apareceu um thread sobre um problema que um utilizador teve com uma imagem - a imagem aparecia de diferentes formas em vários monitores; nuns apareciam as rugas do tecido de fundo, noutros não. O problema prende-se principalmente que as calibrações variam de monitor para monitor - todos temos os monitores calibrados de forma diferente, e as semelhanças só se manterão entre monitores calibrados da mesma forma (precisa, com auxilio a equipamentos), e as imagens vistas sobre um esquema de gestão de cor.

De qualquer forma uma boa gestão de cores no workflow é importantíssimo para obter cores correctas constantemente. Aproveitei para colocar uma resposta no thread, sobre o que li no Livro "Adobe Photoshop CS2 for Photographers" de Martin Evening e que é basicamente um resumo muito curto do capitulo sobre gestão de cores:

Aqui vai (é longo):
Segundo o autor, o clássico do ajusto do monitor para igualar a impressão é má politica. Até lhe chama de "mess up the monitor to match the print". Apesar de ser possível acertar bem para um conjunto de tons, é muito provável o desvio noutros, e não permite obter consistência (com o tempo que o monitor desvia-se da calibração inicial..). Eu concordo que possa ser usado este método, se for único o meio de impressão. Senão, é impossível garantir a consistência...

A solução passa pelo uso de perfis, como os perfis ICC, por exemplo. Os perfis basicamente são tabelas de conversão, indicando como converter determinada cor, contida na imagem, para a cor que o equipamento ou programa deve mostrar de modo a estar correcto. É o que acontece quando criamos os perfis do monitor com o Adobe Gamma, por exemplo. O Gamma apresenta as cores, e ajustamos de modo a parecerem correctas, e o perfil ICC contem a info da conversão a fazer para que o vermelho , o verde, azul, cinzas, etc. apareçam correctamente. Evidentemente que o Adobe Gama impõe um ajusto visual e imprecisa, mas com um equipamento de calibração a precisão será bem maior. O elo de ligação entre os perfis e os espaços de cor é o "Profile Connection Space" - um género de espaço base que as tabelas usam como referência.

O mesmo acontece com os perfis de cor nas imagens. Se a imagem tiver o perfil embutido, será possível ao PS converter as cores para o espaço de cor em uso, e mostrá-los correctamente. Naturalmente a aplicação terá de ter o Color Management activado. As cores são convertidas do espaço de cor integrado na imagem para o espaço de cores em uso no PS e depois para o monitor segundo o perfil deste. Assim, mesmo que as máquinas e monitores sejam diferentes, desde que estejam correctamente perfiladas (a palavra existe?) a cor será consistente. É importante perceber que o que se vê no monitor não são as cores como estão nos ficheiros (os valores que lá estão), mas sim as cores corrigidas segundo os perfis.

O mesmo acontece para a impressão, exigindo que a impressora também esteja perfilada. Quando da impressão, as cores são convertidas do espaço em uso no PS para o espaço da impressora, segundo o perfil. Garante-se cores corretas (dentro dos limites do hardware / clipping do espaço de cor) e consistentes. Por exemplo, a Fuji Frontier tem perfil ICC, que muitos labs oferecem, para embutir nos ficheiros de imagem para a gestão da cor.

Espaços de cor

Basicamnete há dois a ter em conta - sRGB e Adobe RGB.

sRGB é mais fechado, mas é reprodutível por todos os equipamentos (supostamente). Corta severamente a gama CMYK (na conversão). Óptimo para trabalho web, mas mau para fotografia e trabalho sério de impressão.

Adobe RGB é o standard, se assim o podemos chamar, para trabalhar imagens, especialmente se tiver que ser posteriormente convertido a CMYK.

Juntando tudo

Portanto, tudo deverá ser calibrado e perfilado - monitor (usando o Gamma da Adobe, ou equipamento apropriado), equipamentos de entrada (scanners usando alvos de cor, câmeras se possível apesar de ser bastante complexo), equipamentos de saída (impressoras caseiras, dos labs, etc).

A gestão de cores deve ser activado no PS (color settings). Adobe RGB pode ser o espaço RGB por defeito, e é útil activar o aviso de se a imagem a abrir está no espaço de cores predefinido da aplicação ou noutro para uma gestão correcta de cores.

Deste modo, se enviares o ficheiro de imagem para alguém que tenha o gestão de cores activa na máquina deles, as imagens deverão ser visualizadas correctamente. A presença do perfil na imagem permitirá o PC interpretar correctamente a mesma.

Se não souberes se a pessoa a quem estás a enviar a imagem tem a gestão de cores activa, há que assumir que o espaço de cores em uso é o sRGB (mais fechado) e a imagem deve ser convertida para este espaço. Caso tenham a gesta de cor activa, a aplicação irá ler a info e reconhecer que o sRGB está em uso e reproduzir as cores correctamente.


E assim fica um cheirinho de gestão de cores no blog :D